Le 22 janvier 2026, l’Académie a dévoilé les nominations des Oscars 2026, au Samuel Goldwyn Theater de Beverly Hills, et la lecture a pris l’allure d’un relevé sismographique. Un titre revenait, encore et encore, comme un motif obstiné. Seize nominations aux Oscars 2026 pour *Sinners***. Le film, sorti en **avril 2025, réalise une moisson inédite aux Oscars. En effet, il dépasse l’ancien plafond. Ce dernier était fixé par ces géants du palmarès entrant dans la course avec 14 citations. Le 15 mars 2026, lors de la cérémonie des Oscars au Dolby Theatre, théâtre des Oscars à Los Angeles, Ryan Coogler s’avance en favori des Oscars 2026 sans profil de favori, tant son film refuse de se comporter comme un candidat modèle.
Seize nominations, un chiffre qui raconte un déplacement
Les records n’intéressent vraiment que lorsqu’ils disent quelque chose de l’époque qui les produit. Celui de Sinners ne ressemble pas à une simple addition de bulletins de vote. Il ressemble à un signal. L’Académie a placé le film au centre de sa carte dans les catégories cardinales. En effet, il est nommé pour meilleur film, réalisation, acteur, scénario original et bande originale. De plus, il est en lice pour une série de prix mesurant la main et l’oreille. Cela inclut le montage, le son, l’image, les effets et la fabrication.
Le geste le plus parlant, cette année, tient dans une nouveauté. Sinners figure parmi les nommés de la toute première catégorie casting aux Oscars. Un Oscar de plus, au sens littéral, représente surtout une reconnaissance tardive d’un métier. En effet, ce métier dessine la vérité d’un film avant même que la caméra tourne. Faire exister une communauté, lui donner des corps, des accents, des regards, c’est écrire la politique du récit. Qu’un film qui parle de communauté et de menace obtienne cette nomination n’a rien d’un détail.
Ryan Coogler, l’auteur qui travaille la foule
La signature de Ryan Coogler tient à une capacité rare. Parler à beaucoup sans glisser vers le plus petit dénominateur commun. Ses films savent écouter le collectif, donner une place aux groupes, aux rites, à ce qui se transmet. Sinners pousse cette logique plus loin. Il déplace son cinéma vers un territoire plus hybride, plus sonore, plus risqué, sans renoncer à la clarté du mouvement.
Coogler a compris quelque chose d’essentiel sur l’industrie américaine. Le discours social, lorsqu’il se contente d’être un discours, finit souvent en trophée. Lorsqu’il passe par le plaisir, il circule autrement. Sinners ne choisit pas entre la pensée et l’adrénaline. Il les fait se cogner. Il évoque une violence structurelle en utilisant les véhicules les plus efficaces du cinéma populaire. Pour cela, il intègre le chant, le frisson, la montée en puissance et la promesse du spectacle.
Michael B. Jordan en double, une idée de l’Amérique en miroir
Le cœur du film, c’est Michael B. Jordan dans *Sinners*** interprétant des jumeaux, **Smoke et Stack. Le procédé pourrait n’être qu’un défi technique, une démonstration. Il sert ici de question. Que fait un visage identique lorsqu’il se trouve pris dans des forces contraires. Comment rester frère quand le monde multiplie les lignes de séparation.
Jordan ne se contente pas de distinguer deux tempéraments. Il joue un lien. Explorez les émotions humaines : orgueil, tendresse, peur et détermination, circulant d’un corps à l’autre avec intensité. Le film y gagne une tension intime qui évite l’abstraction. Parler de ségrégation, de prédation, de communauté, cela devient aussi raconter une relation, un pacte, une fissure possible.
Un club, une nuit et le poids du Jim Crow
Sinners situe son histoire au début des années 1930, dans un Sud américain où la ségrégation n’est pas un souvenir, mais un principe d’organisation. Le film ne cherche pas la reconstitution pour la reconstitution. Il s’intéresse aux effets d’un système lorsqu’il s’infiltre dans les gestes les plus ordinaires. Par exemple, il observe un trajet, un regard, une porte qu’on ferme et une route qu’on évite.
Les jumeaux rêvent d’ouvrir un lieu à eux, un espace de musique, de fête, de respiration. L’idée, au fond, est simple. Créer un endroit où l’on se retrouve, où l’on chante, où l’on danse. Le film en fait un enjeu politique sans appuyer sur le mot politique. Dans une société qui organise l’exclusion, le simple fait de rassembler devient une dissidence. C’est là que le film d’époque rejoint le présent. Il rappelle que la liberté commence souvent par un carré de sol où l’on tient debout.
Quand le fantastique n’efface pas le réel mais l’éclaire
La singularité de Sinners tient à sa manière d’installer l’horreur au milieu du quotidien. Le film convoque le vampirisme, non pour faire joli, non pour offrir une mythologie glamour, mais pour figurer une prédation. La morsure, la contagion et l’emprise illustrent une violence qui ne se limite pas à un seul moment. En effet, cette violence se transmet, se répète et s’adapte.
Le fantastique ne vient pas remplacer la ségrégation, comme si l’on troquait une douleur pour une autre, plus spectaculaire. Il vient la mettre en relief. Il la rend lisible autrement. Il transforme un système en menace palpable, et le fait sans discours explicatif. Le cinéma de genre, ici, devient une langue sociale. Une langue qui vise l’estomac autant que la tête.
Une comédie musicale sans anesthésie
On comprend mieux l’adhésion du public lorsque l’on écoute le film. La musique n’est pas un vernis. Elle organise la narration. Elle règle l’allure des scènes, la manière dont les personnages se tiennent ensemble. Dans un Sud des années trente, le blues et ses métamorphoses deviennent une mémoire vivante. Le film le rappelle sans le transformer en leçon.
Il y a, dans cette dimension musicale, une intelligence de l’ambivalence. Chanter, c’est respirer. Chanter, c’est tenir. Mais chanter peut aussi attirer. La musique rassemble, donc elle expose. Le film joue de ce paradoxe. Il ne sacralise pas la fête comme un sanctuaire pur. Il la montre comme un lieu traversé, convoité, menacé. Et c’est justement cette lucidité qui rend la fête plus forte.
Ludwig Göransson, la musique comme dramaturgie
Si Sinners avance en film musical, c’est qu’il fait confiance à la musique comme à une mécanique de récit. La partition de Ludwig Göransson, nommée aux Oscars, n’illustre pas, elle met en tension. Elle relie les corps, accélère la joie, puis la fragilise. Elle fait sentir, à l’intérieur même de la fête, la pression de ce qui menace.
L’Académie a d’ailleurs distingué cette dimension au-delà de la bande originale. Deux chansons du film sont parmi les nommées. L’une d’elles, I Lied To You, exprime bien ce que le film cherche. En effet, elle est une mélodie capable de porter un non-dit. La musique devient alors un espace politique sans slogan, mais aussi un lieu où la communauté se reconnaît. C’est également un endroit où l’histoire se transmet. De plus, on comprend que danser peut être une manière de tenir tête.
Une mise en scène qui préfère la précision à la grandiloquence
La réalisation de Coogler ne cherche pas à éblouir pour elle-même. Elle cherche à faire sentir. La caméra sait filmer la foule sans la confondre, isoler un visage sans le détacher du groupe. Le jour, souvent, a quelque chose de sec. La nuit, elle, s’épaissit, devient matière. Le film travaille les seuils, les passages d’un espace à un autre, d’une musique à un silence.
Cette précision nourrit l’effet de genre. L’horreur n’est pas un décor ajouté par-dessus un film d’époque. Elle naît d’une sensation de resserrement. Les personnages se retrouvent coincés, observés, encerclés. La mise en scène fait monter cette pression en alternant le collectif et l’intime, l’élan et la rupture. Tout le film tient dans cette circulation.
La nouvelle catégorie casting, un symbole au bon endroit
Que l’Académie inaugure un Oscar pour le casting en 2026 n’est pas un caprice administratif. C’est la reconnaissance d’un art de l’assemblage. Sinners s’y inscrit naturellement, tant le film dépend de sa chorale, de ses seconds rôles, de ses présences qui donnent au lieu et à l’époque leur densité.
Il y a là un détail qui ressemble à une justice. L’horreur et la comédie musicale reposent sur le collectif. On danse ensemble, on a peur ensemble, on tient ensemble. Dans un film où la communauté n’est pas une toile de fond mais une force dramatique, le casting devient une forme d’écriture. L’Académie, en nommant Sinners dans cette catégorie, ne récompense pas seulement un film, elle reconnaît le métier qui le rend possible.
Pourquoi l’Académie a suivi, et pourquoi le public a embarqué
Le succès de Sinners n’est pas uniquement celui d’un film de prestige adopté par des jurés. C’est aussi celui d’un film qui a trouvé son public. Aux États-Unis comme à l’international, sa carrière en salles a été soutenue par un bouche-à-oreille puissant. Ce dernier a été nourri par l’originalité du mélange et la clarté émotionnelle de l’histoire. Les recettes mondiales se situent autour de 368 millions de dollars. En effet, ce chiffre est rare pour un récit original qui n’appartient pas à une franchise.
Ce double mouvement, reconnaissance critique et vitalité populaire, explique la place du film dans le scrutin. Les votants peuvent y lire une œuvre d’auteur. Les spectateurs y trouvent un récit qui avance, qui chante, qui mord, qui tient sa promesse de cinéma. Coogler réussit un équilibre délicat. Il ne rend pas son propos plus léger, il le rend plus transmissible.
Une présence française qui rappelle la circulation des formes
À côté de l’ascendant pris par Sinners, la liste de l’Académie ménage un écart qui compte. Dans la catégorie du film international, la France figure parmi les cinq nommés avec It Was Just An Accident. Du côté de l’animation, deux titres liés à une sensibilité et à des talents largement français, Arco et Little Amélie Or The Character Of Rain, se retrouvent en lice dans la sélection du long métrage.
Ces présences n’inversent pas la hiérarchie de la saison, mais elles disent autre chose. Les Oscars restent une machine hollywoodienne, certes, mais ils signalent aussi une circulation des imaginaires. Sinners lui-même, film profondément américain, parle au-delà de son territoire parce qu’il met en scène une lutte universelle, celle de créer un espace vivable dans un monde qui le refuse.
Ce que Sinners laisse derrière lui, avant même les statuettes
Le 15 mars, les Oscars distribueront des trophées et fabriqueront des formules. Mais Sinners a déjà gagné un autre combat. Celui de prouver qu’un cinéma populaire peut porter un propos sans le transformer en étiquette. Celui de montrer qu’un film de genre peut entrer dans la grande cérémonie sans se travestir en drame édifiant.
Le film laisse aussi une trace plus discrète, mais plus durable. Il rappelle que la politique, au cinéma, ne se réduit pas aux slogans. Elle réside dans la manière de filmer un groupe. On fait circuler la musique et on fait sentir un système. Elle est dans le choix de dire la peur sans quitter le plaisir. Il y a là une leçon de mise en scène, et une leçon d’époque.
Si Sinners rafle des statuettes, il deviendra un moment officiel. S’il en rafle moins qu’espéré, il restera un film qui aura déplacé des lignes. Dans les deux cas, il aura accompli ce que le meilleur cinéma sait faire. Il donne au public une histoire qui avance et glisse, au passage, une vérité qui insiste.